Thursday, December 28, 2006

Werk in Uitvoering 2
























Dit is een tweede foto van het werk wat ik nu aan het maken ben. Het naakt is in Alla Prima techniek, ofwel Nat in Nat geschilderd. Het masker is geschilderd in een techniek die Al Fresco heet, dat wil zeggen: detailleren in een natte onderlaag. Ik ben niet zo goed in Al Fresco schilderen, doe liever Alla Prima, maar voor dit detail was het een betere techniek. In een ander detail zal ik volgende week ook Glacis-techniek gaan gebruiken, met een imprimatura in alkydverf. (al het overige is olieverf)

Werk in Uitvoering
























Ik ben bezig aan bovenstaand schilderij. Ik hoop het eind volgende week af te hebben. Het is op deze foto natuurlijk nog niet af, en het is ook niet zo blauw als op de foto. (alhoewel dat best grappig is) Als je op het plaatje klikt wordt het groter.

Tuesday, December 19, 2006

Christenunie

Een quote uit het partijprogramma van de Christenunie:

"Wanneer kunst echter moreel verlagend werkt door kwetsend taalgebruik of vormgeving, is overheidsondersteuning niet op haar plaats." en "Pornografisch of anderszins omstreden materiaal komt in ieder geval niet voor indirecte subsidiƫring in aanmerking."

Afgezien van de vraag of rechtstreekse overheidssubsidiering van individuele producenten van beeldende kunst uberhaupt op haar plaats is, kan het niet zo zijn dat fundamentele Christenen gaan bepalen welke kunst in door overheden gesubsidieerde kunstzalen, musea, praathuizen, voetbalkantines, biennales en anderszins komt te hangen. Daarnaast zou ik wel eens in minder ondoorzichtig taalgebruik willen lezen wat de fundamentele Christen dan wel verstaat onder "moreel verlagend", "Kwetsend taalgebruik", "Pornografisch of anderszins omstreden materiaal". Vergeet niet dat Rembrandt, die notabene heiligen met vieze voeten en eelt op de zalige vingers afbeeldde, onder de Christenunie geen schijn van kans zou hebben. Dat had ons toch een miljardje of wat aan overheidseigendom en prestige in de wereld gescheeld.

Olaf, mijn man in Uruguay, heeft mij op bovenstaande quote uit het partijprogram van de Christenunie attent gemaakt. Waarvoor mijn dank.

Saturday, November 18, 2006

Weer een hoop onzin van rare Amerikanen...

Rare Amerikanen verspreiden doorgaans een hoop onzin op het net. Hieronder probeert een paar conservatieve figuren een definitie van kunst te geven. Mijn commentaar heb ik erbij gezet, in schuingedrukte belettering.

No Communication: No Art --- Art, including music, represents the direct communication of human emotions, without the assistance of explanatory comments in the nature of writing or other artifacts. Similar to the awe we feel when we are face to face with the beauty of nature, we can be moved through a whole array of powerful emotions when we listen to a Beethoven symphony. On the other hand, paint poured at random on a clean canvas might, at best, communicate the chaos, avarice or contempt in the mind of such an "artist". How can emotions be communicated if we cannot even discern which side of the painting is up.
Beeldende kunst communiceert uiteraard, maar de gedachte dat de natuur communiceert is merkwaardig, omdat ze niet de geest of de intentie heeft te willen communiceren, en die vermeende communicatie vergelijken met die van de kunst is helemaal belachelijk. Beeldende kunst opereert in een intersubjectieve communicatie. Zelfs stellen, dat door beeldende kunst emoties worden gerepresenteerd gaat mij te ver, omdat ik denk dat de meeste beeldende kunst mentale concepten metaforiseert, en geen emoties.

No Craftsmanship: No Art --- Many schoolchildren exhibit more craftsmanship in "chalkboard art" than is seen in most "Modern Art". It requires years of training and long periods of time to produce any object of value. Worthless junk can be produced by anyone, overnight.
Ambachtelijkheid is geen noodzakelijke voorwaarde voor kwalitatief hoogwaardige kunst. In sommige gevallen is de overdaad aan ambachtelijk vertoon juist een manier om slecht kunstenaarschap te bedekken.

No Talent: No Art -- Only the spark of talent or genius can produce beauty and true art of lasting value. Just as rationality is the sine qua non for science, talent is the sine qua non for art. In the absence of this criterion, anybody could be trained to produce great Art. (Alas, since I am devoid of artistic talent, I will never be able to produce great works of art.)
Dit lijkt mij in tegespraak met het adagium 'no craftmanship - no art', omdat ambachtelijkheid wel te leren is, ook voor talentlozen.

No Maturity: No Art -- The lapse of time is the filter that separates the wheat from the chaff: -- As an old Wine mellows with age, true art is confirmed by the lapse of time: If it has survived the critique of more than one hundred years, it may qualify as "art". The absurdities of the Picassos of this world will be swept into the dustbin of history, while the works of Rembrandt will continue to delight future generations of man. -- The Louvre does not display modern art, neither does the National Art Gallery of London. Picasso's most famous work, the Guernica, cannot be found in the Prado. There are no Van Goghs in the Louvre. The National Gallery (London) does not display any works produced in the 20th century. Grandma Moses' paintings are hidden in the basement of the National Art Gallery in Washington.
Vergeet niet dat Rembrandt vanaf 1640 tot 1890 volkomen verguisd en vergeten is. In het tweede deel van zijn leven (1640-1669) werd zijn werk bestempeld als ouderwets en boertig. Een directeur van het Rijksmuseum Amsterdam heeft hem aan het einde van de 19e eeuw uit de vergetelheid getrokken. Bombastische uitspraken over "the Picassos of this world" en drogredeneringen over het aankoopbeleid van bekende musea zeggen helemaal niets over kwaliteit van beeldende kunst.


Bron: http://www.rationality.net/art.htm

Tolstoi zegt:

To say that a work of art is good, but incomprehensible to the majority of men, is the same as saying of some kind of food that it is very good but that most people can't eat it.

Leo Tolstoi, What Is Art? (1898)

Friday, November 17, 2006

Oud Werk


Dit is uit ongeveer 1995. Klik op het plaatje om te vergroten.

Tuesday, November 14, 2006

Ik in mijn atelier aan het schilderen

Gefotografeerd door Roy Spanjers. Gezien mijn ontspannen houding is het begrip 'action painting' vooralsnog niet aan mij besteed...

Monday, October 09, 2006

Abstracte details






















Dit zijn drie detailfoto's van een abstracht schilderij dat ik samen met Hans Versteegh en Jeroen Krijnen heb geschilderd. Klik er op om ze te vergroten.

Thursday, September 28, 2006

Spamtekst

compiled while school landing great there. Written friendly style someone whos learned ropes reading pursuing Stacey A. Farkas Career fantastic couldnt anywhere else searching Web. Jenny Trevino Campbell Thank changing careers helpful getting started. Maggie McNerney Canton finished lively Ive field months helpful. Vickie Trihy VT switching already herself gave insight Amy Chouinard Copyright Rights Reserved. Policy viewable platforms browser support more.MSUs editorThe external Features Archives Briefs Reprints Puzzles
roles fragility short alter persons entire moved deeply invested out. SMITH Karl mundane juvenile prosaic honest. doesnt stilted tiring shame.Is Seems somewhat believe. Whitney terrific people. natter weight. walks drummer. these drummers makes awesome Sound But stories least prose whats generic domestic doing. She SarvasI upset pairing dramatic flourish disavow earlier choice. glowing praise heaped upon quarters coupled flipflop certainly starts enough kind dense chewy enjoy.
Revenge Feature: Barrel bb Plans Agency SEOPR Targeted Recent Clients Contact MapPress Articles Jobs Editing function return true Have Lovers Dream love read book probably fab job imagine. shape reads. They decide which becoming published books then those Editors generally fall editors. appeals you. authors correct grammar spelling make character brown curly hair page still Their directly readers enjoyment book.
BluesAt JamesAt LastEtta JoyStevie Ray Vaughan Double ManThe BrothersA Sunday

Bovenstaande tekst is een excerpt uit een stuk dat ik kreeg in mijn mailbox. Het is een spamtekst, automatisch gegenereerd om spamfilters te omzeilen. Ik heb de tekst met interesse gelezen, en verzamel ze nu in een document. (ik heb al een pagina of 80)

Ik krijg daarbij twee achtereenvolgende gedachten:

De eerste gedachte die bij mij opkomt bij het zien/lezen van deze tekst is een institutionele, aan de hand van twee vragen:
1) Was deze tekst door een moderne dichter geschreven, zou ik hem dan anders lezen dan nu, wetende dat het een door de computer gegenereerde tekst is? (Ecriture Automatique)
2) Als ik als geinstitutionaliseerd kunstenaar deze tekst in mijn mailbox vind, hem vergroot en in een tentoonstellingsruimte hang, of publiceer in een dichtbundel, zou het dan een kunstwerk worden in plaats van een functionele tekst die niet bedoeld is om door mensen te worden gelezen? (Objet Trouve)

De tweede gedachte is, dat ik bij het lezen van de tekst een connotieve betekenis wil toevoegen. Iedereen die deze tekst op die manier leest zal een andere connotieve betekenis toekennen, omdat de tekst zich heel gemakkelijk een wil laat opleggen.

Wednesday, September 27, 2006

Baumgarten

Baumgarten realiseerde zich dat een verschil tussen schoonheid in objectieve weergave en schoonheid in subjectieve, belangrijk is voor het concept beeldende kunst. Schoonheid in objectieve weergave toont een object of complex van objecten in al haar details, en dat feit is de oorzaak van schoonheid.
De cognitivistische drogrede is de stelling dat alles wat technisch wordt gereproduceerd, ieder shot in een film, ieder geluid voorzover het onbewerkt is, dan ook mooi is.” (Rob van Gerwen)
Van Gerwen stelt, dat dit een drogreden is, inzover zij kennis en haar waarneming verwart en daarmee het definitieprobleem verschuift.
Wij denken echter dat een foto (of filmshot) mooi is vanwege de manier waarop, de stijl waarmee het toont wat het weergeeft en niet de volledigheid waarmee alle details worden getoond.” (Rob van Gerwen)
Allereerst is de vraag of dat niet hetzelfde is. Als een fotograaf een machine fotografeert in al haar details, zou volgens de drogreden de schoonheid liggen in het feit dat die details zichtbaar zijn. Zou de fotograaf een aantal ‘articiteiten’ aan zijn foto toevoegen, zoals gekleurde belichting of mist of zo, dan is de machine niet in al haar details meer te zien. Maar wel de mist, en de gekleurde belichting. Wordt die anders gekend dat de details van de machine?
Veeleer denk ik dat de ‘schoonheid’ van daartoe door mensen geproduceerde objecten (i.t.t. natuurlijke schoonheid) een derivaat is van de intentie van de fotograaf. De beschouwer wordt door de ‘stijl’ van de fotograaf in de intentie geleid. Stijl op zichzelf, dus zonder intentie, is in die zin kitsch.
Zo zou het kunnen dat ik in detail een foto naschilder. De foto is een stijlgeleider van een fotograaf in de intentionele kennis van een object, die door mij wordt gekopieerd. Daarmee wordt de stijl als intentiegeleider universeel, maar de intentie persoonlijk.

Wednesday, September 20, 2006

Toeristen

Hieronder het jongste werk. Het heet: toeristen. De foto is helaas niet zo goed.

Abstract
























Abstract schilderij, gemaakt in atelier. Ik ontpop mij als een regelrechte Richter-epigoon.

Tuesday, September 19, 2006

Formalistische experimenten
























Dit zijn enkele formalistische ontwerpen die ik dit weekend maakte in mijn atelier. Het gekke is, dat ik altijd een rothekel heb gehad aan een formalistische benadering van kunst. Maar nu, door het experimenteel samenvoegen van oude tekeningen en afdrukken, ontstaat er een 'significant form'.. Knippen en plakken, het schuiven van knipsels over elkaar tot een leuke compositie, ik kon het tot nu toe niet over mijn hart verkrijgen. Compositie om de compositie was voor mij altijd een circulaire drogreden.
Ik moet er nu toch aan geloven.

Sunday, September 17, 2006

Zelfportret in atelier














Zelfportret in beter tijden, voor schilderij uit ongeveer 2000, en met hoofddeksel voor Oostduitse vrouwelijke militairen.

Friday, September 15, 2006

Talibanstrijders


Dit is een van de laatste schilderijen die ik maakte voor ik de moed geheel verloor. Het is onvoltooid, en het gebrek aan zelfvertrouwen en de twijfel aan het medium is duidelijk te zien aan de onzekere penseelstreek. In een wanhopige poging het medium 'schilderkunst' zuiver te maken had ik het al ontdaan van kleur.

Thursday, September 07, 2006

Jan van Eyck: het Lam Gods


















Dit is waarschijnlijk het mooiste kunstwerk dat ik ooit heb gezien.

Rob van Gerwen on Computer Art:

The ‘beginnings’ of our art practice need not have been instantaneous, they may have taken up a period of time, as indeed they have, involving a slow process reaching from 15th century secularisation of art (Giotto) through the 18th century rise of philosophical aesthetics (Batteux, and Baumgarten). Also, art may be finite. In fact, some theorists have argued that the times of art as art were over. Hegel, at the beginning of the 19th century, argued that both religion and, even more so, philosophy were better means for us to get to grips with reality. And Arthur Danto, more recently, argued that with Warhol’s Brillo Boxes art has become philosophy. These ‘endings’ depend on particular conceptions of art which are, rather debatable. But one might argue that with the advent of computer art (i.e. art without a creative human intention at its basis) our concept of art must be changed so profoundly as to become different altogether.
Rob van Gerwen

Giacomo answers:
Na de opkomst van de fotografie als autonoom en geengageerd medium ontstond de discussie of geschilderde kunst niet verouderd was. Dit bleek niet het geval. Misschien ontstaat na de opkomst van computerkunst als autonoom kunstzinnig medium eenzelfde discussie. Ik denk het echter niet, omdat, in tegenstelling tot fotografie en beeldende kunst, computerkunst als kunst zonder creatieve menselijke intentionaliteit, juist datgene wat in de traditionele creatieve media de existentiele drijfveer is, (intentionaliteit en betekenislading) moet missen. Dat betekent dat in niet-intentionele computerkunst slechts een esthetisch element aanwezig is. Ik denk dat ons concept van computerkunst zal veranderen, niet die van kunst, zodat zij naadloos onderdeel gaat worden van de traditionele beeldende kunst.
Giacomo di Lindini

Thursday, August 31, 2006

Some answers for Brian Yoder at Art Renewal

It is a terrible "cage" they try to put around artists as they demand that nobody produce any art other than their kind, and all the while they proclaim that they have broken all barriers to creativity. Instead, they try to force us all into tiny pre-determined boxes where all we can do is choose between one brand of useless garbage and another.
Brian Yoder

Instead of having a sound discussion on art, refreshing, and prone of giving birth to new insights and ideas, the people at Art Renewal turn to the ‘argumentum ad hominem’ or mud-throwing and name-calling far too often, as Brian Yoder does here. Nobody in their right mind would demand that artist produce any art other than their kind, the only exception might be the chaps at Art Renewal themselves. Barriers to creativity have already been broken at the beginning of the 20th century. Barriers that were initially erected by the 19th century academic painters in their salons. The first cracks in the walls of the academy were the very institutes founded by the Impressionists: the Salon des Independents and, before that, the Salon des Refusees. After a few years these salons attracted far more visitors than the official salon of the academy.

Artists more than anyone ought to be thinking for themselves and using the best tools they can find to make the best art they can. Of course there are trends and fads, and not all of them are entirely bad either, but each artist (if he's worth his salt) should think for himself and make the best art he can, not be a member of some herd.
Brian Yoder

True. Is there anyone who thinks otherwise, exept for the people at the Art Renewal herd?

The deeper problem is that it (the modernist insistence on the abandonment of objectivity in art, GdL) has produced generations of "artists" who have no skills, no ideas, and can't make art. I wouldn't mind it so much if the result was excellent art that was only accessible to the most cultivated minds. Instead what we have is meaningless "art" that expresses nothing to anyone and only the pretentious few who know the latest trendy (and bogus) theories of "fashion" have any idea what is going on at all. The worst problem is that the lack of understanding of art has corrupted the ability of most artists and the institutions that train and support them to make or identify art at all, not that it has diminished their potential audiences.
Brian Yoder


I truly hope Yoder does not understand what he is saying when asserting that generations of artist have no skills, no ideas, and cannot make art. I hope these statements were made in a rage, or that Yoder is just plain stupid. I truly and wholeheartedly hope nobody ever gets infected by or even believes these hateful remarks against 20th century art and humanity. Acting in an way that few other people do is understandable and by all means tolerable, but verbally destroying others and their artistic judgements and beliefs should be prosecuted by law.
Furthermore, asserting that the early 20th century modernists insisted on the abandonment of objectivity in art is pure nonsense. In fact, if Yoder would have had the senses to actually read some of the articles by early modernists such as Bell or Fry, he would have understood that they were searching for objectivity.

Monday, July 24, 2006

Rechtvaardigheid

Een aantal weken geleden was mijn linkeroor verstopt. Waarschijnlijk niet goed schoongemaakt of te veel aangestampt met een wattenstaaf. Elke ochtend als ik uit bed kwam was het oor helemaal dicht, en dat is nogal lastig, vooral in het verkeer, en in conversaties met meerdere personen, omdat je geen driedimensionaal auditief gehoor meer hebt. 's Middags, zo rond drie uur ging het oor met een plop weer open, weliswaar kwam er niet veel geluid door, toch was ik in staat om veel beter te horen.
Als dat elke dag gebeurt, 's ochtends doof en ongeveer drie uur met een plop weer wat gehoor, dan ga je er aan wennen. Ik wachtte erop, rekende erop, keek naar de klok wanneer het weer drie uur was.
Ik ging rechten ontlenen. Ik vond dat het rechtvaardig was dat mijn oor om drie uur open ging.
De laatste dagen ging het oor niet meer open. Dat vond ik onrechtvaardig. Ik stelde, dat ik onrechtvaardig behandeld was.
Er zijn niet zoveel eigenschappen die mensen van dieren onderscheiden, maar drie kan ik er noemen: taalgebruik, een diepgewortelde traditie in beeldende kunst en andere kunsten, en gevoel voor rechtvaardigheid. Als de rechtvaardigheid op bovenbeschreven wijze in de menselijke cultuur is geslopen, als een 'recht hebben op verschijnselen', dan is een ethisch gevoel, of een morele grondhouding, niets verschillend van het verwachtingspatroon van dieren ten opzichte van gebeurtenissen en verschijnselen.
Blijft alleen de taal over, en de kunst.

Monday, July 03, 2006

Een Stukje Volkskrant

Royal Academy exposeert stuk hout
Van onze verslaggever

AMSTERDAM - De Engelse beeldhouwer David Hensel had er twee maanden aan gewerkt: een groot lachend hoofd van marmer, leunend op een kleine houten steun. Het hoofd was bedoeld als inzending voor de prestigieuze zomertentoonstelling van de Royal Academy of Arts, die jaarlijks in Londen wordt gehouden.

Toen de 61-jarige Hensel vorige week bij de voorbezichtiging van de tentoonstelling kwam kijken, bleek dat niet zijn marmeren hoofd – met de titel One day closer to paradise –, maar de houten ondersteuning was uitverkozen als zijn officiĆ«le inzending. Aan de houten steun had Hensel een dag gewerkt, en hij had het, aldus de kunstenaar tegen de BBC, ‘nooit als kunstwerk beschouwd’.
Het ging mis in de kelder van de Royal Academy. Medewerkers hadden het beeld en de ondersteuning afzonderlijk ter beoordeling aan de jury laten zien. Hensel had de twee delen niet aan elkaar vast kunnen maken, en ze daarom apart ingeleverd. De juryleden dachten dat Hensel twee kunstwerken ter beoordeling had ingestuurd. Ze kozen voor de houten steun, die zij het betere werk van de twee vond.
Kunstenaar Hensel is lid van de Royal British Society of Sculptors en geeft les in beeldhouwen aan de Universiteit van Chichester. De kwestie liet volgens hem niet alleen de smaak van de jury zien, maar ook hun onwetendheid.
Toch zag Hensel er ook een voordeel in. Hij kon er, zoals hij tegen de BBC zei, de grap van kon in zien, maar er zat volgens hem ook een ‘filosofisch aspect’ aan vast. ‘Ik heb mijn halve leven geprobeerd uit te vinden wat kunst is’, aldus Hensel. ‘Door deze kwestie heeft nu een grote groep mensen de kans daar over na te denken.’
De Royal Academy weet nog niet wat ze met de kunstwerken wil gaan doen. De steun staat nog opgesteld. Aan de curatoren van de tentoonstelling is inmiddels gevraagd wat er met het hoofd moet gebeuren: terug op de steun, of laten ophalen door de kunstgenaar Hensel.
Wel heeft de Academy in een verklaring laten weten dat het mogelijk is dat ‘kunstwerken anders worden geĆ«xposeerd dan op de manier waarop de kunstenaar het bedoeld heeft.’

Monday, June 26, 2006

Atelier

Met een beetje mazzel ga ik vanaf september dit atelier huren om na bijna drie jaar weer te gaan schilderen.




Monday, June 19, 2006

Literatuurlijst Middeleeuwse Kerkgeschriften

Toen ik 20 was, interesseerde ik mij voor mystieke esoterica, zo lees ik althans in mijn dagboeken uit die tijd. Onderstaand een boekenlijst met niet te versmaden Middeleeuwse mystieke kerkgeschiedenis. Sommigen heb ik gelezen, sommigen heb ik nog steeds in bezit, anderen zijn niet of slechts in facsimile uitgegeven rariora.

Glossa Ordinaria - Walafrid Strabo (f. Nicolas de Lyra)
Rationale Divinorum Officiorum - Guilielmus Durandus (lithurgica)
Speculum Ecclesiae - Honorius d'Autun (Profeten)
Historia Scolastica - Petrus Comestus (Canon)
Legenda Aurea - Jacobus de Voragine
Speculum Historiale - Vincentius van Beauvais
Speculum Naturale - Vincentius van Beauvais
Summa Theologica - Thomas van Aquino (Aethica Ecclesiae)
Speculum Morale - Vincentius van Beauvais (Aethica Ecclesiae)
Psychomachia - Prudentius
De Nuptii Mercurius et Philologia - Martianus van Capella
Boethius
De Gloria Martyrium - Gregorius van Tours
Elucidarium - Honorius van Autun
Aethica - Tertulianus
Anticlaudanus - Alanus Insulis

Uitpluizend wat mij destijds interesseerde, weet ik mij nog te herinneren dat mijn interesse voor middeleeuwse Christelijke geschriften voornamelijk was ingegeven door de onuitwisbare indruk die de Vlaamse Primitieven op mij hadden gemaakt tijdens bezoeken aan Brugge en Gent. Het waren voornamelijk Jan van Eyck en de jongere Petrus Christus die mijn vurige enthousiasme opwekten.

Ik ben dat nu allemaal vergeten, dat obsessieve zoeken naar andere werelden. Waarschijnlijk ben ik nu tevreden met de wereld waarin ik leef. Dat had ik mij destijds nooit kunnen voorstellen.

Thursday, June 15, 2006

Some Populistic Statements from Fred Ross. Beware!!

"I am committed to a return to standards of excellence in the visual arts, and to exposing the destructive hoax of modernism which has taken control of our culture’s museums, institutions of higher learning, and journalistic criticism. I want to offer opposing views and make it clear that modern art is a dead end. If everything is art than nothing is art. Their work amounts to art about art, whereas all of the great art from history has been art about life”.

“Let me state in the strongest possible terms that the art history textbooks, since the middle of the century, have been filled with nothing but distortions, half-truths and out-and-out lies in their description of this era. (The 19th Century) They have failed in their responsibility as historians to report the truth of what occurred as objectively as possible. These texts amount to no less than propaganda brochures for modern art.”

“It was the artist’s goal to paint humanity both realistically and as beautifully as possible, encouraging all to strive for such ideals. Implicit is the moral imperative that all people are worthy of love and respect. So not only was it untrue that William Bouguereau , Burne-Jones, Alma-Tadema…was irrelevant, the exact opposite was the case. Bouguereau and the other academic artists were the avant-garde of the changes that were occurring in Western civilization, asserting that each individual was unique and valuable. Only a society such as ours could generate people who would even be permitted to dribble paint on a canvas and call it a work of art. We must realize that modern art could never have existed save on the back of the humanist art that preceded it.”

Fred Ross

Mijn Pennenstrijd

Mijn pennenstrijd is niet mijn strijd alleen. Maar ik zal hem zeker voortzetten, in een directe dialoog met Fred Ross. meer daarover aanstonds op deze log.

http://www.art-for-a-change.com/blog/2005/12/art-renewal-center-return-to-past.html

Dank voor de link, Olaf!!

Enige Stellingen

Een goede kunstenaar maakt kunstwerken die voordat hij ze maakte nog niet door andere kunstenaars zijn gemaakt.
Een goede kunstenaar is een uitstekend ambachtsman en kan zijn ideeen zonder concessies aan het materiaal visualiseren.
Een goede kunstenaar moet zijn concepten kunnen visualiseren zonder dat er enige nadruk ligt op techniek of materiaalbehandeling.
Een goede kunstenaar weet met zijn kunstwerken een groep van verzamelaars en invloedrijke critici aan zich te binden.
Hoe beter de kunstenaar, hoe indrukwekkender zijn tentoonstellingslijst.
Een goede kunstenaar weet met zijn werk nieuw licht te werpen op hedendaagse ethische discussies.
Een goede kunstenaar zou zich afzijdig moeten houden van hedendaagse ethische discussies.
Een goede kunstenaar verhoudt zich tot kunsttheorie, kunstkritiek en filosofie.
Een goede kunstenaar laat zich niets gelegen liggen aan heersende opvattingen maar vertrouwt slechts op zijn eigen oordeelsvermogen.
De enige voorwaarde om een goed kunstenaar te zijn is dat je je oordeelsvermogen en zelfkritiek tot buitengewone proporties ontwikkelt.
Een kunstenaar stelt zichzelf vrijwillig boven de maatschappij omdat hij maatschappelijk irrelevante of bewust doelloze produkten maakt
Een kunstenaar die het doet bestaan zijn werk uit te leggen aan een publiek dient ten alle tijden met wantrouwen en hoon te worden bejegend.
Het kunstenaarschap is als een race zonder finish: je moet altijd alle andere kunstenaars voor blijven, tot ver na je dood.
Kunstenaars zijn sociaal onvaardige individuen die hun kunst gebruiken om met de wereld te communiceren.
Mensen die van kunst houden maar zelf geen kunst maken zijn per definitie snobs.
Mensen die kunst bewonderen om het ambachtelijk vakmanschap zijn snobs.
Mensen die de prehistorische schilderingen in de grotten van Lascaux benaderen als waren het schilderijen van Monet, zijn snobs, zonder mogelijkheid tot uitzondering.
Kunstwerken die humoristisch zijn, zijn kitsch.

Bovenstaande stellingen zijn ter plaatsbepaling en polemisering. Het zijn hard geformuleerde conclusies uit discussies die spelen binnen de kunstwereld. Ik denk dat er maar een enkele stelling tussen staat waar ik helemaal achter sta.

Friday, April 28, 2006

A Response from Fred Ross on my comments

--Fred Ross, Chairman of the Art Renewal Center
--Italic comments by Giacomo di Lindini
-- Blue comments by Fred Ross


Dear Giacomo di Lindini,
Please see my responses to your comments below.

Just because something causes you to have a feeling of aesthetic beauty does not make it a work of art.
On the other hand: just because an object is a work of art does not automatically mean it has to provide in aesthetic beauty.
Your English is a bit choppy. What is your native language? Of course that’s true. That comment is not especially relevant to my comments.

A work of art is the selective recreation of reality for the purpose of communicating some aspect of what it means to be human or how we perceive the world.
But what if there are better, more efficient ways of "communicating some aspect of what it means to be human" even within the realm of art, than a process of "selective recreation of reality"? What if these better ways can easily be achieved by defining and redefining the existential values of art itself, like the first modernists did?
If there were better and more efficient ways of "communicating some aspect of what it means to be human" that would be true. But saying the early modernists achieved that does not make it so. They achieved nothing of the kind. What do you think it means to define and redefine the existential values of art? They are no more than meaningless words your are using and then acting as though they have some special meaning…which they do not.

But, it is worth repeating, there are plenty of beautiful objects or scenes in nature that are aesthetic without being works of art in themselves:
· Rose petals floating in a basin.
· Waves crashing on the shore.
· A drop of dew on a flower.
· A drop of blood on a white piece of paper might be pretty and momentarily interesting (like a Rothko painting).
These are all things that we might experience in reality, and that actually have an aesthetic effect. But they are not art.
Before making bold statements like that, one should define the words "aesthetic" and "art" first. It is naĆÆve to state that aesthetic experiences are mere effects. Aesthetic experiences in art are essentially intentionalistic, unlike the beauty found in nature. These aesthetic values cannot be compared.
It is a typical tactic used by modernists with empty arguments, to call "naĆÆve" those with whom they disagree. "intentionalistic" qualities neither makes it aesthetic, and even if some aesthetic sense is achieved it does not make it art. So the intentionality changes nothing. Neither a drop of dew on a flower, nor a purposely painted square of orange on a brown background, are works of art regardless of whether they have any aesthetic qualities or not.

Art is the selective recreation of reality for the purposes of expressing an idea. Or as ARC Founder Brian Yoder has put it elsewhere, art fictionalizes reality. The artist takes elements of reality and rearranges them in such a way that he makes perceivable an idea, a concept, an impression of the world. In other words, it is the artist, a human being, who is doing the selecting - not nature and notchance.
If beauty in art and beauty in nature are the same, why does art exist? Why not settle for the imminent beauty of nature and forget about the second hand beauty of art? Furthermore: how can anyone "express an idea", "fictionalize reality", and chase the beauty of nature at the same time? I do not really understand what "fictionalizing reality" means, anyway.
Beauty in nature and beauty in art are not the same, nor did I ever say they were the same, nor are they the same according to the words of Brian Yoder above. Because you don’t understand what "fictionalizing reality" means, doesn’t mean the term is meaningless. It means you are not knowledgeable of the meaning’s of those words. It means that the image in the work of art is "made up" like a story which used occurrences which never really happened in order to symbolize an idea, thought, value, belief, or emotion.

But the real world or the natural world simply is. Our experiences in it can become the material of artworks when they are judiciously selected and arranged, with all the finesse and mastery of years of training, craftsmanship, and learning.
Does this mean that beauty in nature is a necessary quality of natural objects, and beauty in art is a quality of selected and arranged human experiences, combined with a certain level of craftsmanship? Does this not imply intentionality? One might state that the selection of experiences of which we are speaking, is a reflection of the artists personality or the culture in which the artist works. It might be true, that on a certain moment in culture, the artists experiences tend to move away from natural objects and towards cultural intersubjective meaning. If that is the case, a mere depiction of carefully selected "natural" phenomena will no longer be sufficient to serve the artist’s intentionalist needs. The artist, at first, searches for meaning and experience in his own mind, hence expressionism. After that, the artist forms concepts of atavistic experiences and expresses those concepts in a far more efficient and overwhelming object of art than the copyist of natural phenomena. This is conceptual art.
The abstract artist does no such thing.
Even if atavistic experiences needed to be expressed, they could only be expressed via realism. Just because you say the such formed concepts are being expressed doesn’t make it so. Show examples of such concepts or ideas. Tell me what they are in words and then how they are being expressed in a work of such art. You can’t do it, because in truth you are doing nothing more than using convoluted words with obscure meanings that can do nothing remotely like what you say they do.


But isn't an "abstract" painting by Mark Rothko or Jackson Pollock tangible in a similar way to the examples above? Get close enough to a modernist painting and some patches of paint and blots of color are pretty to look at. Stare at them long enough you might even convince yourself that there is something meaningful in them, like a Rorschach ink blot test. But neither a blob of paint nor a Rorschach test is a work of art, and neither are they truly meaningful. They aren't meant to be interpreted as selections of reality at all. Since Clement Greenburg, modernist critics have always talked about them as "bits of" reality, as if they had their own exalted aesthetic existence.
They are selections of reality, only another, far more interesting, reality than nature. They are meaningful in a conceptual way, not in a pictional way, because pictional beauty cannot hold its own against real nature.
They are a form of reality, and if you find a blob of paint or even many blobs interesting, then you have the right to like that sort of thing, but they have no meaning other than the most primitive sorts like "red" or "blue" or many or few of dark or light. These are hardly the sorts of "concepts" that sophisticated and educated people are likely to find interesting.
Secondly, because paintings of reality cannot be as beautiful as nature itself. Does not mean that such works which capture how mankind feels about real things are not worthwhile and should not be made. Furthermore there are many things that occur in nature that can be observed except fleetingly, and fine art can "freeze" them for further study and appreciation.


The usual description of a modern "abstract" painting is that it is "a painting about paint itself". Its subject matter is paint, or the formal principles of painting. The first claim is nonsensical: saying a painting is about paint is like saying a poem is about the alphabet. A poem uses the alphabet to represent words, which can in turn be used to convey knowledge or express ideas. The second claim is just as banal. A painting that is "about" its formal principles is, again, like a poem that is about rhyme, about onomatopoeia, or about iambic pentameter. In other words, it is art as a jigsaw puzzle of the lowest order. An endless pseudo-intellectual game, slightly mesmerising because of its futility - like a Rubik's cube. Even fun to play occasionally - in jest - because it keeps the pattern-recognition parts of the brain occupied. By this definition, a Rubik's cube is probably the world's most successful work of modern art - it refers only to itself, it has the sacred cubic form, and it is covered with more colored squares than a Mondrian.
Saying that a painting is about painting itself means that it defines the way painting communicates with its audience. Conceptual art is about communicating concepts. Complicated concepts must be communicated to the audience using complicated media.
Please, give me some examples of complicated thoughts expressed by abstract expressionist painting. You can’t because there are none. You can express
Red vs. yellow
Big vs. small
Few vs. many
Straight vs. crooked
Etc.


If art had ever been about this kind of cerebral playing with formal principles it would have died a tedious death millenia ago. But this is what modernist critics would have us understand is "abstract" art.
If communication would be on today’s conceptual level millennia ago, people would have been able to communicate complicated concepts through art.
What complicated concepts??? Name some. Name one.

Folks, I want to point out that there is more than one meaning to "abstract". The modernists have tried to collapse two important senses of the term into one, to bolster their (as we saw above) ludicrous claims. For modernists, "abstract" means "non-objective" or "non-representational" or "non-figurative". For them, abstract means that which does not have any meaning outside of itself. In a very real sense "abstract" modern art is actually meaningless. From the modern critic's point of view, the more meaningless it is (the more "abstract") the better. Now, this is not to say that some "abstract" shapes or blobs of paint cannot be aesthetically pleasing. An oil slick can be pleasing to look at from the right angle - no matter whether it is in a puddle or on a prepared canvas. But they cannot say that an "abstract" modern work is meaningful in any real sense. It is whatever it is, a blob of paint or a block of color - no more and no less.
In 1910, just after the appearance of abstract art, formalists (modernists) stated the following: How is it, that a still-life by Rembrandt contains more artistic quality than a still life by an amateur, even if the depicted objects in the still-life is the same? Is there a quality in the artist, if you like the reason of beauty, a talent, which is not about the depicted picture but about the way the painting is done? If so, the picture is of no essence to the quality. Why not leave the picture behind, and concentrate on the talents of the artist that obviously generate the quality of an artwork? (they called these talents ‘significant form’, being the relation between forms, colors and lines)
The quality that one finds in the artwork by Rembrandt is better because the quality derives from the ability of the artist to successfully communicate the subjects or themes, which in this case are the objects in the still life, and to do so with homogeneity and grace such that all points in the canvas harmonize with each other while enabling the viewer to successfully suspend disbelief.
Calling these "…talents ‘significant form’…" does not make them significant at all.
You cannot "leave the picture behind" because without the picture, there is no theme, and without the theme there can be no harmony between subject and technique which is the essence of the quality as well as the artistry.
Sir, you are using the same sort of ‘Artspeak’ which has for generations beguiled our youth into submitting to intimidation of prestige suggestion when someone of "authority" tells them what they should think or believe. But your words are inarticulate, convoluted claptrap, and still as meaningless as the art which they purport to justify, deriving their meaning solely by incestual claims of value by virtue of the fact that you are telling us that they have value and that they express complex concepts, none of which you seem able to describe or exemplify.
I respect your willingness to attempt to debate me, and if you are able to muster arguments that merit further consideration, I will be only too happy to respond again.
Fred Ross
Chairman,
Art Renewal Center,
100 Markley Street, Port Reading, NJ 07064 Http://www.artrenewal.org


-- Fred Ross,Chairman of the Art Renewal Center
-- Italic comments by Giacomo di Lindini
-- Blue comments by Fred Ross

Wednesday, April 26, 2006

Answering Timothy Tyler

I've always thought the cave paintings were more honest, soulful and lovely than any abstract work I have seen. I am truly a fan. I feel a connection with those unknowns. We would have been them had we lived then. I think what we do is not so different at times and wouldn't it be neat if our work lasted so long?
Timothy Tyler


To call the representations on the walls of the caves of Lascaux 'honest, soulful and lovely' might be the aesthetically just and artistically sound, but comparing them to 20th century abstract art using these terms leads to interpretational problems. Remember, the cave paintings were not made to be soulful or beautiful. Think about the fact that hardly anyone ever saw these paintings before they were archaeologically 'discovered' because the caves were not luminated, perhaps only on cerebral occasions, and then the paintings were meant to serve as theistic representations, called upon by priests. The sentiments you feel are sentiments of your time, not of theirs. In fact, one might state that you are a fan of these cave paintings for the wrong reasons. There is nothing essentially wrong with that. Since the religious beliefs on behalf of which these pantings were made do not exist anymore, there is no way one could understand them in the way they were meant to be understood. But you must remenber that abstract paintings have a completely different reason to exist. Comparing them in that way to archaeological painting is useless, in the sense that looking at abstract art like you are looking at the Lascaux paintings is essentially not possible. In fact, your statements are a projection of your own embedded sense of quality towards your concept of art on Lascaux and modern art. The latter are made by artists from a completely different sense of quality than yours and the Lascaux-painters.
Giacomo di Lindini

Monday, March 13, 2006

Apollo

Volgens Nietzsche bestaan er twee soorten kunstenaars: zij die zich laten beinvloeden door Dionysus en zij die naar het wereldbeeld van Apollo handelen. In onderstaande schrijfsels waart de geest van Apollo. De Apollinische kunstenaar is als een epidemie, de Dionysische als een orkaan. De effectiviteit van beide is vergelijkbaar, de methode verschilt.
Wie wil uitvinden of hij naar de geest van Apollo of Dionysus leeft, zou de volgende vraag moeten beantwoorden:
Is Rowan Atkinson geslaagder als Mr. Bean of als Blackadder?

Wednesday, January 25, 2006

Verluchtiging 2




Onder het kopje 'verluchtiging' (2 januari 2006) staat een afbeelding van een schilderij uit een serie. Dit is een tweede schilderij uit diezelfde serie. Het is in bezit van H. Versteegh en J. van Dam te Zeist. De overige werken uit die serie heb ik vernietigd. Daarboven een foto van hetzelfde schilderij in de lijst en tegen een blauwe muur. De foto's zijn door H. Versteegh gemaakt.





Thursday, January 12, 2006

An answer to Rob van Gerwen on Classical Music (in English)

Rob van Gerwen wrote:

Jazz and classical music

While listening to John Coltrane, this thought came up: jazz musicians play on a favourite instrument. And, sometimes, the instrument they pick does not really connect with them. [Multi-instumentalist Anthony Braxton seems best when playing on a soprano; Coltrane on a tenor sax, etc.]. This is not merely due to an accidental preference on behalf of the musician, but, rather, to how their bodies connect with this instrument. We shall discuss the notion of ‘individual style’ that is connected with this line of thinking.
In class, we discussed Mozart’s Concerto for clarinet. Nanny argued that the timelesness of this work has to do with how Mozart in it gets the best of the instrument. It is interesting to realize that Mozart succeeds through a score that instructs an infinite number of musicians to play the work. Thus, he brings out the best of various musicians’ playing (on the clarinet) irrespective of the particular musician (assuming that she controls the instrument to sufficient degree).
Listening to John Coltrane confronts me with the thought that Coltrane gets the best of the soprano that he is playing on. We also discussed, however, that it is difficult to conceive of any other musician to play an improvized part in exactly the same way–not difficult as in ‘hard to master’, but difficult as in ‘inconceivable’: such playing would be a form of ‘copying’ instead of ‘performing’ the relevant music. One way or the other, that would amount to a kind of forgery. The improvization in a piece of jazz is not notated in a score; that would be superfluous, would go against the nature of this music.
Would it be too far-fetged to think of jazz as a domain in music-making that has tried to make instrument-playing more dependant on the particular musician’s embodiment?
Coltrane’s improvizing is in “Spiritual”, on The Other Village Vanguard Tapes, Impulse!, 1961
(Previously published on the internet)


Giacomo di Lindini replied:

In answer to Rob van Gerwen

If one speaks the language of music, the instruments with which the musical statements are made is of no importance. However, one can defend the opinion that the type of statement to be made is of influence on the musical instrument used. Every instrument has its own ‘voicing’, quite similar to the emotional plurality of human voices. It is in this context that the diversity of musical instruments finds its origin, and not, as Rob van Gerwen states, in the physical interaction between instrument and musician. I do believe, moreover, that the timelessness of music lies in the possibility of different interpretations through time and culture and not in the interaction between musician and instrument, as directed by the composer. If possible, it would be preferable to ‘encounter’ music which has not been composed, instead of music which has been composed by an intentionalist musician. Perhaps a composer should strive to making music which he himself does not understand, as to prevent the listener to cope with the understanding of the composer and have his undivided attention on understanding the music.

There can be no music without an audience listening or a musician performing. Written music is a semantic reflection of a musical formalization of intentionality, interluded between compositional rizomatic conceptualism by the composer and interpretability by the performer. If the audience likes the performers it agrees with (or responds to-) the rizomatic intentionality and the interpretation thereof by the performer. Some performers interpret in a way that is particularly interesting for a certain target group, others perform more esoteric. (I purposedly hesitate to qualify performances in evaluistic terms)
The question raised is: How is it, that some music is better than other? Let us limit the problem by stating that the composer and the performer are the same, and that the music is improvised.
Does changing the question to ‘How is it, that some music sounds better than other?’ make answering easier of more difficult? In a way, can some music be better than other? Is it possible for an improvising musician to improve his music by technical means, that is, by becoming a better player of the instrument? Is instrumental practice the key to good musicianship?
If music is language, then this must be the case. A poet writing in English cannot write in Chinese, if he doesn’t speak the language. Even if he does, the language may not ‘feel’ right to use as a tool or medium to write poems. Poems need to find the language that is feeling the best, and this may very well be his native language. If the parallel between poetry and musical improvising is correct, the skills of the musician is of great importance to the quality of the music.
I do not think this is true. The use of language in poetry and the use of instrumental skills in music are not comparable. I think, however, that there is a relationship between semantic skills and musical skills in general. Understanding the language of music, in a certain degree, is more important than understanding the musical instrument.
(Previously published on the Internet)

Wednesday, January 11, 2006

Componeren

Vroeger bezat ik een gedomesticeerde rat. (hij heette Rat) Ik denk dat het eerlijker is om die zin als volgt te formuleren: vroeger woonde ik in een kamer met een rat. Hij had namelijk een eigen wil. Toen ik hem voor het eerst in mijn studentenkamer neerzette, vluchtte hij onder een dressoir. Dat werd zijn thuisbasis. Vanuit die thuisbasis ondernam hij excursies naar de rest van mijn kamer, maar hij keerde altijd weer terug. Als er gevaar dreigde rende hij onder het dressoir, maar ook als hij geen zin meer had, of vermoeid was van het ontdekken van mijn kamer.
Zo componeer ik muziek. De plek onder het dressoir is de grondtoon van het stuk. De grondtoon is waar ik mij veilig voel, is de vriend van de componist, en ook die van de luisteraar. Nu kun je excursies gaan maken, je kunt gaan ontdekken. Andere akkoorden, harmonieƫn gebruiken, maar je komt altijd weer bij de grondtoon uit. Vaak is het akkoord dat voor de terugkeer naar de grondtoon wordt gespeeld, heel spannend. Dat is het moment waarop wordt besloten dat het gevaarlijk wordt, dat je te ver weg bent van de veilige plaats, of dat je geen zin meer hebt om verder te gaan en verlangt naar de vertrouwdheid van de grondtoon. Soms wissel je halverwege het stuk van grondtoon. Dan wordt de veilige plek onder het dressoir vervangen door een plekje achter de koelkast, omdat je dan dichter bij het voedsel zit.

Leuke en veelzeggende metafoor voor het componeren van muziek. Maar waar is de grondtoon in de schilderkunst? Waar is de veilige plek onder het dressoir? Waar kan de schilder zich terugtrekken als het te gevaarlijk wordt? Kan dit de reden zijn waarom ik makkelijker muziek bedenk dan schilder, meer muzikale lef heb?

Tuesday, January 10, 2006

Ik durf niet

Soms kijk ik terug naar het schilderwerk dat ik maakte toen ik 16 was. Ik had de wondere wereld van de surrealisten zojuist ontdekt en wist mijn magische perceptie van de wereld ineens in kleine schilderwerkjes te vatten, hetzij nogal naĆÆef.
In mijn vroege jeugd kende ik de culturele betekenis der objecten nog niet zoals ik die nu ken, en ik dacht ze een magische existentiƫle ontologie toe. Nu weet ik dat de dingen zijn zoals ze zijn, maar bij het beschouwen van die oude surrealistische werkjes, bedoeld om de magie der objecten te onderstrepen, overvalt mij nog dikwijls de verwondering van weleer.
Het is die verwondering en melancholische hang naar de metafysica die mij destijds op jonge leeftijd tot schilderen heeft aangezet. Toen de magie der objecten plaats maakte voor een cultureel bepaalde epistemologische opvatting, ben ik de melancholische metafysische wereldbeschouwing verloren. Behalve in de schilderkunst, datgene wat ik zelf produceerde en datgene wat de rijke kunstgeschiedenis mij bood.
Ik ben bang dat ik het laatste ook aan het verliezen ben, en mij geheel als cultureel verweven subject heb vervormd. Dat feit objectief vaststellen zal de grootste persoonlijke desillusie van mijn leven worden.

Daarom durf ik niet meer te schilderen.

Onder vrienden zijn

Voor een kunstenaar is een museum als een kroeg. Je ontmoet oude vrienden, kletst wat met ze over zaken die er toe doen, en maakt nieuwe vrienden. Die vrienden zijn er niet echt, ik heb ze meestal nog nooit echt ontmoet, maar de reflectie van hun persoonlijkheid hangt aan de muur. In veel steden ga ik naar het museum, maar daarbij krijg ik hetzelfde gevoel als wanneer ik een vriend zou bezoeken. Kijk je naar een kunstwerk, dan kom je in dialoog met de persoon die het kunstwerk heeft gemaakt. Heb je al eerdere werken van de kunstenaar gezien, dan leer je hem een beetje kennen. Het wordt een vriend. Of je kunt hem niet uitstaan.
Gerhard Richter is een grote vriend van mij. Wij zijn met dezelfde dingen bezig, ontmoeten dezelfde problemen en desillusies. Vincent van Gogh kan ik niet uitstaan. Jan van Eyck is als een oude wijsgeer, wiens niveau, zowel schildertechnisch als mentaal, ik nooit zal kunnen bereiken. Maar met alle vriendelijkheid en grandeur is hij zeker bereid om zijn jonge en talentvolle protĆ©gĆ© in zijn goddelijke en magische gedachtewereld in te wijden. Salvador Dali is als een jeugdvriend met wie ik contact hebt verloren, en telkens als ik hem ontmoet, dan herinner ik mij nog wel hoe ik in mijn jeugd aan zijn lippen hing. Maar nu ik zie dat zijn uitvindingen en statements eerder sociale dogma’s dan heldere verrijkingen zijn, ben ik de interesse in zijn persoon een beetje kwijtgeraakt.
Ik maak in musea regelmatig nieuwe vrienden. Thomas Ruff, die mee kan doen in de conversaties tussen mij en Gerhard Richter, Theoderic van de ‘Weiche Stil’ uit Praag, die ik eerder kende uit publicaties maar nu ook in het echt heb ontmoet. Hij is een adept van zijn tijd, maar zijn schilderwijze is als een antwoord op een vraag die Richter, Ruff en ik ons ook hebben gesteld.

Is dat een waarachtig kenmerk van kunst? Een toeschouwer kan op persoonlijk niveau communiceren met individuen uit andere tijden, vrienden met ze worden? En een 1 op 1 conversatie aangaan?

Dat zou revolutionair zijn. Kunstwerken zouden een subjectieve print kunnen zijn van diegenen die ze hebben gemaakt. Door zijn schilderijen heen is Rembrandt zelf zichtbaar.

Ik doel overigens niet op mijns inziens triviale zaken als expressie en zo. Bouguereau laat zichzelf net zo goed zien als Kirchner. Ik geloof niet dat de mate van expressionistische techniek correleert met de hoeveelheid persoonlijke informatie die in een kunstwerk aanwezig is. Het zou wellicht een aanwijzing kunnen zijn dat de auteur van het kunstwerk een andere persoonlijkheid heeft, maar ook met die stelling heb ik moeite.

Sunday, January 08, 2006

Tachisme





























Het lijkt alsof dit een schilderij is in tachistische techniek, zoals de gesture paintings van Jackson Pollock, maar dat is niet zo. Het is gemaakt met sjablonen en een tijdrovende glacistechniek. In principe is de techniek hetzelfde als die van Jan van Eyck of Adriaen van der Werff, behalve dan dat er geen herkenbare voorstelling is, alleen kleur. Het plaatje is trouwens slecht, de dieptesuggestie is niet zo duidelijk.

Monday, January 02, 2006

Verluchtiging


























Dit is een schilderij dat ik maakte in een zeer produktieve periode (omstreeks 1995) Het is de eerste uit een serie van zes. De tweede is in bezit van een vriend, de anderen heb ik vernietigd.